Disegno del giorno (di ieri): Intervista a Elodie Jammes

Nata nel 1980 ad Albi (nel sud della Francia), Elodie Jammes dipinge, disegna e crea fin da bambina. Per lei, "tutti i bambini hanno questo istinto creativo, questo impulso di gesto, questo bisogno di esprimere il mondo per linea, colore, materia". Figlia unica con un temperamento solitario, dice di aver "sviluppato un ricco mondo interiore". Il suo approccio creativo le permette di esprimere le sue emozioni. Attratta inizialmente dallo studio dei fenomeni della mente e più in particolare della psicoanalisi, nel 1998 studia un anno nella Facoltà di Psicologia. Poi, dopo un cambio di orientamento, ha continuato gli studi completando un BTS in architettura d'interni. Poi, è la Scuola di architettura di Tolosa dove ottiene il diploma di architetto DPLG nel 2007.  Ha poi trascorso 3 brevi anni in un'agenzia e poi 2 anni da sola con l'idea di conciliare architettura e pittura. Ma nel 2012 si impone una scelta. È finalmente alla pittura che intende dedicarsi da allora in poi. La sua carriera artistica è stata fortemente segnata da diversi soggiorni negli Stati Uniti. Il suo incontro a 19 anni con grandi nomi dell'espressionismo astratto come W. De Kooning, F. Kline, R. Motherwell, J. Pollock, rivelano la sua passione per la pittura. Più tardi, la scoperta di altri pittori come Hopper, Richter, Doig, Monet o Hockney gli aprì nuovi orizzonti. Influenzata dall'architettura, ciò che dipinge sono prima di tutto paesaggi ed edifici. Sebbene queste creazioni siano figurative, sono istantanee che traducono un'emozione in un dato momento, attraverso il gioco di colori, sfocature e cancellature. "Amo la pittura in sé", dice, "per quello che ha della poetica e del misterioso, per quello che provoca in me al momento della creazione e anche per quello che provoca in chi la contempla. Mi piacciono i colori brillanti e contrastanti, è un'ode alla vita"! Così abbiamo voluto chiedergli della sua carriera e naturalmente del disegno del giorno, in questo caso il tavolo del giorno. Intervista di Xavier Arnaud.

Qual è stato il suo primo contatto con l'arte? Cosa ti ha spinto a diventare un artista?

Kandisky – 1913

Ricordo molto chiaramente la felicità portata dall'attività "Dipingere alla maniera di Kandinsky" intorno al quadro "Quadri con cerchi concentrici" quando avevo 3 anni. Da adolescente, la scoperta di Picasso, Dalì e Warhol è stata molto importante per me. Picasso è poi diventato un modello che ho copiato. Io dipingo e sperimento. Più tardi, all'età di 18 anni, sono partita per diversi mesi come au pair negli Stati Uniti, a Philadelphia, e ho approfittato di questo tempo per visitare grandi musei: il Museum of Philadelphia, il Moma di New York, il Metropolitan, il Guggenheim ecc. Mi confronto faccia a faccia con i grandi artisti che hanno lasciato il segno nella storia dell'arte ed è stato in quel momento che ho deciso che la mia vita sarebbe stata fatta di pittura. È uno shock, una rivelazione.

Raccontaci i tuoi temi chiave. Ci sono messaggi o teorie nascoste nel suo lavoro?

Il tema chiave del mio lavoro è l'idea del viaggio, certamente nel paesaggio. Ma si tratta più che altro di viaggi interiori. Bisogna guardare oltre un semplice dipinto di paesaggio. Questi paesaggi sono spazi in cui proiettarsi, spazi meditativi. E, anche se la forma e il processo creativo sono molto diversi nei miei "paesaggi astratti", è la stessa cosa. Si tratta di introspezione, di "guardare dentro di sé". Per quanto riguarda la mia serie di maschere, anche lì ogni tela provoca una riflessione. Con le maschere, è naturalmente una questione di identità, di ciò che diamo per vedere chi siamo, ma con la scelta di queste maschere è anche una questione di rapporto con la spiritualità e il sacro.

Ora parliamo del tuo approccio artistico. Come definirebbe il suo stile? Avete una o più tecniche specifiche?

Per quanto riguarda lo stile, si potrebbe dire che sono un artista proteiforme e libero! Ho il mio stile in ognuno dei miei stili! Mi permetto di esplorare vari campi dell'arte. Sono un pittore tanto figurativo quanto astratto. Dipingo con acrilico e olio su tela o legno. Uso anche pastelli a olio, carboncino, matite. Pratico anche l'acquerello, la linoleografia e la fotografia. Sono attaccato all'estetica e all'armonia delle forme e dei colori, ma al servizio di un'emozione vissuta e vera. Mi piace che i colori siano forti, intensi e contrastati.
Perché ci sia pittura, deve esserci un'emozione, presente o passata, che faccia emergere qualcosa. Amo la pittura stessa per quello che ha di poetico e di misterioso, per quello che provoca in me al momento della creazione e anche per quello che provoca in chi la contempla. Mi piacciono i colori brillanti e contrastanti, è un inno alla vita!

Passiamo a quel quadro, "Non perdere la tua occasione", che hai fatto quest'anno. Può inserirlo nel contesto del suo lavoro in generale?

Nel 2013 ho iniziato una serie di dipinti sul tema di un roadtrip che ho fatto negli Stati Uniti chiamato "East-West Memories". Dal Texas alla California attraverso il New Mexico e l'Arizona. L'attraversamento di questi grandi spazi, i cieli immensi, questi orizzonti misteriosi, le strade interminabili, i chilometri senza attraversare nessuno, il silenzio, e queste case, capanne, capanne, architetture, piantate in mezzo al nulla. L'umano quasi assente eppure tracce di uomini e di civiltà. Sensazione di libertà e di infinito. Questo viaggio ha segnato la mia vita.

"Non perdere la tua occasione", 65/81 cm, Acrilico su tela, 2020

C'è una prima cosa che è data da vedere, che è un paesaggio, ma possiamo andare ben oltre. L'idea della capanna come spazio di tutte le possibilità, come contenitore di segreti e misteri, metafora, rifugio, rifugio, rifugio, dimensione poetica della capanna, luogo per sognare, per riposare, per respirare. Invito l'osservatore ad entrare in se stesso entrando in queste capanne. La capanna è un ponte tra l'immaginazione e il sé.
Questo quadro, realizzato appena un mese fa, è un po' lontano nel tempo dal mio viaggio. L'approccio è in qualche modo diverso. Non avevo un'idea del tutto precisa di come sarebbe stato questo quadro. Il punto di partenza è questa idea di una capanna, un'atmosfera un po' fuori dal tempo, e avevo desideri specifici di colore. Al tempo della pittura non intellettualizzo. Il dipinto è finito. Sono pieno di idee, immagini, quadri, colori, ricordi, sensazioni, e poi le scelte sono fatte in modo piuttosto istintivo. Alcuni elementi sono precisi, altri più sfumati, in modo che ognuno possa dare la propria interpretazione, proiettare ciò che vuole. Alla fine le mie spiegazioni sono di scarso interesse, tutte le verità sono nelle percezioni e nelle interpretazioni di chi le guarda. Ciò che è importante per me è che la mia tela risuoni con colui che sta per contemplare.

Prima di lasciarci, chiederò a Elodie Jammes di parlare dei suoi progetti.

Continuo questo lavoro sui paesaggi introspettivi, ma penso anche di continuare la mia serie di ritratti mascherati. Nella forma è molto diversa, eppure nella sostanza è completamente correlata. Inoltre, ho dipinto due tele su cui questi personaggi sono venuti a invitarsi nei paesaggi.

Per seguire il lavoro di Elodie Jammes su internet,

sono a vostra disposizione diversi supporti:

Son site –  Facebook  –  Sa Page Facebook  –  Instagram –  Youtube  –  Singulart

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